Entrevista a María José Montiel. Premio ÓPERA ACTUAL a la trayectoria artística

¿Cómo recuerda el momento en que le hacen la propuesta?

Tenemos que irnos atrás en el tiempo y situarnos un año antes de la lectura del discurso, es decir, en junio de 2023. Sentí una felicidad inmensa. “Dios mío, qué suerte tengo”, pensé entonces. Y lo pienso ahora. Es una de las experiencias más bonitas y especiales que he vivido. Es muy difícil ser académica y, además, tomar el relevo de la gran Teresa Berganza. Para mí significa un reconocimiento a todos mis años de esfuerzo, trabajo y tesón, porque me ha costado muchísimo estar donde estoy. Y me siento absolutamente orgullosa de cómo lo he hecho.

Usted es una artista que siempre ha ido por libre.

Soy una mujer muy independiente, libre, que jamás ha estado sujeta a los grupos de poder que acaparan la ópera en según qué latitudes y que puede presumir de haber construido su carrera con honestidad y transparencia absoluta. Y hacer una carrera fuera de esos círculos que son tan poderosos es realmente difícil. Imagino que también sucederá en otros ámbitos de la vida. Para ello he contado siempre con el apoyo de mi familia en un millón por ciento en los momentos más duros. Me he sentido también arropada por la gente que me quiere, que es mucha, y por todos aquellos que han creído en mí y confiado en mi voz. A todos ellos estaré eternamente agradecida.

¿Qué ópera le habría gustado tener en su repertorio y que no ha podido interpretar?

Fidelio, porque Leonore es una mujer llena de fuerza y esta ópera inmensa es un canto a los derechos humanos, al amor y a la libertad.

¿Qué personaje ha representado mejor la esencia de María José Montiel?

Siempre hay un personaje con el que te identificas. A mí se me conoce internacionalmente, sobre todo, por Carmen. Pero he disfrutado mucho con Amneris de Aida, Ulrica de Un ballo in maschera, Dalila de Samson et Dalila o Federica de Luisa Miller. Pero Carmen me abrió muchas puertas, como también me pasó con el Réquiem de Verdi o las sinfonías de Mahler. Son títulos y obras que tuve ocasión de interpretar en repetidas ocasiones con maestros como Zubin Mehta, Lorin Maazel, Charles Dutoit o Riccardo Chailly, con quien colaboré durante más de una década.

Sin olvidar a la protagonista de María Moliner, ópera de Antoni Parera que estrenó en el Teatro de La Zarzuela en abril de 2016 y que después ha repuesto varias veces.

Sí, era una mujer fascinante reflejada en una ópera contemporánea estupenda que he tenido la fortuna de cantar ya en cuatro ocasiones. Al entrar en la Academia me acordé mucho de María, de la fuerza interior que tenía. ¡Qué gran injusticia que no la hiciesen académica!

Como cantante y como docente, ¿por qué cree que hoy hay tanta prisa por quemar etapas y llegar rápido a según qué metas?

Sí, hoy más que nunca. Yo no digo que a veces, de jóvenes, cuando empezábamos en la profesión, no perdiéramos la paciencia, pero es que hoy es algo atroz la prisa que veo que tienen muchos cantantes que comienzan. Todo es de usar y tirar, algo que en esta carrera no se concibe. Por eso me parece urgente y necesario fomentar la paciencia en lugar de la vanidad y el exhibicionismo constante en las redes sociales. Y la falta de valores. Las agencias artísticas muchas veces hasta lo apoyan y algunos teatros en ocasiones se inclinan por el aspecto exterior de los cantantes, prefieren que sean guapos, delgados, atléticos, y la voz pasa a un segundo plano. No se fomenta la individualidad, sino formar parte de un rebaño y yo creo que, ante todo, hay que ser independiente y libre para poder ser un verdadero artista. Estamos muy controlados y es complicado que surjan grandes figuras en este ambiente y con este caldo de cultivo, aunque claro que siguen saliendo.

¿Y cómo se enseña el canto en este contexto? ¿Cómo lo enseña usted?

Yo lo he enseñado dejando claro lo importante que es tener una personalidad definida y, desde siempre, buscando la blandura del sonido. Soy muy friki de la técnica antigua, pero mucho. Cuesta que salgan voces dramáticas, es verdad, pero las hay y acaban por abrirse camino. ¡Cómo es posible que se diga, como he escuchado y leído, que la laringe ha cambiado! Lo que ha variado es la forma de cantar y las modas, no la laringe del artista. Lo externo es lo que se transforma. La laringe sigue siendo exactamente la misma cuyo funcionamiento explicaban los grandes maestros italianos, como Franco Corelli. El pasaje hay que cubrirlo y protegerlo antes y ahora. Y yo lucho por ello cada día.

¿Se tiende a teatralizar en exceso en perjuicio de la voz?

Yo prefiero cantar un concierto antes que una producción operística escénicamente absurda. Es necesario que exista un equilibrio en todo y que cada aspecto del canto, escena e interpretación tengan su espacio bien definido. Pero, aunque parezca obvio, nunca hay que olvidar que si no hay voz, no hay ópera. La voz es un milagro que surge en el cuerpo humano, es un instrumento vivo. El canto es la voz del alma, es materia, espíritu y deseo.

¿Y cuándo sabe un artista que su carrera ha acabado?

Eso depende de cada persona. En lo personal, tengo la voz intacta, la cuido muchísimo y sé que está bien. El artista que es honesto y autocrítico sabe hasta cuándo seguir, y en mi caso será hasta el día en que yo vea que no puedo y cuando los que están a mi lado me lo digan. Cuando vea que mi voz flaquea me retiraré, sin duda. Eso lo tengo claro. Pero estoy segura de que siempre seguiré trabajando por y para la música.– ÓA