Daniel Oren: “Conocer la voz es uno de los aspectos más importantes de la dirección operística”

Cuando Daniel Oren nació su madre decidió que sería músico, y él se aplicó estudiando piano, violonchelo, canto y armonía. Debutó como cantante a los 13 años interpretando, bajo la dirección de Leonard Bernstein, los Chichester Psalms. A los 20 ganó el primer premio del Concurso Herbert von Karajan de Dirección de Orquesta y con 22 años dirigió su primera ópera, Manon Lescaut, que marcó su especialización en ópera italiana, “el más bello de todo el repertorio operístico”, asegura. A los 22 años fue nombrado director musical de la Ópera de Roma y posteriormente del Teatro Verdi de Trieste, del San Carlo de Nápoles, del Carlo Felice de Génova y, desde 2007, es director musical y artístico del Teatro Verdi de Salerno. “Incluso al planificar una  temporada y elegir artistas, el objetivo es hacer justicia a la partitura y al compositor, y sobre todo, asegurar que el público disfrute de una velada del más alto nivel artístico”, afirma a ÓPERA ACTUAL, y señala rotundo que “conocer la voz es uno de los aspectos más importantes de la dirección operística”.

Su carrera se ha caracterizado por dirigir sobre todo obras italianas, a pesar de que usted no es italiano. ¿Qué le ofrece este  repertorio, que comenzó a dirigir hace 46 años?

Si me he aficionado tanto al repertorio italiano ha sido por casualidad. Fue el destino que la primera ópera que dirigí a los 22 años fuera Manon Lescaut en Roma, y que antes del ensayo general me nombraran director musical de la Ópera de Roma. Dado el cargo, me vi obligado a dirigir este repertorio, que en mi opinión es el más bello de todo el repertorio operístico. La causa de esto reside en la combinación de muchas cualidades: artísticas, vocales y teatrales, que han hecho de la ópera italiana un referente mundial. La tradición italiana sitúa la voz en el centro de la ópera, como ninguna otra escuela operística en el mundo. La melodía, las frases musicales, cautivan porque son excepcionales, hermosas y únicas. Además, su poder de emocionar es inmediato… digamos que hay un equilibrio entre simplicidad y profundidad. Otro factor que influye es la belleza del italiano y su musicalidad natural, que lo hace más fácil de cantar que otros idiomas. Sin desmerecer el repertorio alemán o francés, que son igualmente maravillosos, creo que después de una ópera de Bellini o Puccini, del bel canto al verismo, el público sale del teatro como yo: ¡enloquecido y cantando!

Lleva más de 40 años dirigiendo repertorio italiano ¿Es posible encontrar elementos nuevos en una ópera cuando la ha dirigido tantas veces como Aida?

Claro que sí. Después de más de 500 representaciones de Aida sigo disfrutando descubriendo cosas nuevas. Este es el secreto del artista, si pierdes la curiosidad y la magia, dejas de ser artista. La música se crea cada vez y siempre es diferente. La partitura por sí sola no basta, la música se crea desde la primera nota y con cada interpretación, también porque nosotros mismos somos diferentes a cada segundo que pasa. Afortunadamente, los artistas intentan descubrir, encontrar cosas nuevas.

Siete años después de su última ópera en el Liceu, una versión en concierto de Hamlet de Ambroise Thomas, regresa al coliseo lírico barcelonés para dirigir La Gioconda de Amilcare Ponchielli, una ópera que sentó las bases del verismo. ¿Cómo contribuye esta obra a la evolución del repertorio italiano?

Aunque formalmente sigue siendo una ópera romántica del siglo XIX, La Gioconda contiene pasiones fuertes y viscerales, y momentos de intensa violencia. Presenta una orquestación rica y personajes con voces dramáticas, en parte características del verismo. Los ambientes populares y la psicología directa, estos elementos formarían la base de la posterior revolución del verismo. Por esta razón, La Gioconda se considera una de las óperas preveristas, situada entre Verdi y Mascagni. Fue fundamental para la transformación del repertorio italiano a finales del siglo XIX