La memoria fragmentada de 'Butterfly' golpea en el GTG

La nueva Madama Butterfly del Grand Théâtre de Genève se sitúa deliberadamente en un territorio intermedio entre la tradición y una relectura contemporánea que evita la ruptura frontal. Barbora Horáková propone un desplazamiento de perspectiva que, sin alterar el desarrollo narrativo esencial, reconfigura su lectura: la tragedia ya no se articula únicamente desde el punto de vista de Cio-Cio San, sino desde la memoria fragmentada de su hijo, convertido en adulto, que reconstruye —o intenta recomponer— los restos de un pasado irreparable.

Este planteamiento, ya sugerido desde el preludio con la irrupción de ese hombre japonés que observa la acción desde fuera, encuentra una potente traducción visual en la escenografía móvil de Wolfgang Menardi: una casa de Nagasaki que gira sobre sí misma, casi como un artefacto mental, delimitando un espacio cerrado donde el tiempo parece suspendido. La imagen inicial de un muñeco suspendido que estalla en fragmentos marca con contundencia el eje conceptual de la producción: la identidad rota, la memoria como reconstrucción imposible. Horáková articula así un dispositivo escénico en forma de flashback continuo, donde conviven dos temporalidades —el pasado vivido por Butterfly y el presente del hijo— sin necesidad de subrayados excesivos. La utilización del vídeo, firmado por Diana Markosian, aporta una dimensión sensorial y evocadora particularmente eficaz: imágenes en blanco y negro, casi oníricas, que funcionan como proyecciones de la memoria, ecos de un mundo perdido que nunca termina de recomponerse. Lejos de ilustrar la acción, estas intervenciones visuales la tensionan, reforzando la sensación de encierro emocional que rodea a la protagonista.

El segundo acto, dominado cromáticamente por los colores de la bandera estadounidense, introduce sin ambigüedades la dimensión política y cultural del conflicto, mientras que la figura de Kate Pinkerton aparece aquí con una frialdad casi incómoda, subrayando la violencia silenciosa del desenlace. Todo ello configura un espectáculo de fuerte impacto visual y dramático, quizá no siempre perfectamente integrado en sus distintos lenguajes, pero indudablemente incisivo y, en sus mejores momentos, profundamente conmovedor.

En el podio, Antonino Fogliani firmó una lectura de notable pulcritud y gran atención al detalle orquestal; su aproximación privilegió la transparencia de la escritura pucciniana, con un trabajo especialmente cuidado en la articulación de planos y en la respiración del fraseo. Si en algunos pasajes se percibieron tempi ligeramente apresurados —particularmente en los momentos de mayor expansión lírica—, el conjunto respondió a una concepción dramática coherente, que evitaba el sentimentalismo fácil y buscaba sostener la tensión interna de la partitura. La Orquesta de la Suisse Romande respondió con precisión y riqueza tímbrica, ofreciendo una base sólida sobre la que se construyó el discurso escénico.