La Arena de Verona levanta el telón con su nueva 'Traviata'

Este año el Festival se inaugura con La Traviata. Sí, esta nueva Traviata cuenta con la dirección de escena del escocés Paul Curran y está ambientada a comienzos del siglo XX, con una referencia muy clara al Moulin Rouge y a ese universo parisino que se había recreado para la película musical Moulin Rouge!, dirigida por Baz Luhrmann. Será un espectáculo extraordinario, realmente hermoso, cuyo estreno es el 12 de junio y permanecerá en cartelera durante tres meses, regresando esporádicamente  hasta el 12  de septiembre, y con muy interesantes repartos.

¿Cómo ve a Violetta Valéry? ¿Como una mujer dueña de su destino o como víctima de una sociedad clasista y mojigata sofocada por las convenciones? No es en absoluto una víctima. Todos somos víctimas y verdugos. También Violetta lo es, paradójicamente, en sentido positivo. El sacrificio de su amor por un bien superior acaba siendo siempre algo positivo.

¿Cómo se evita que un título tan representado se diferencie de puestas en escena anteriores? Esa es la gran dificultad. Hace falta una idea que, de algún modo, destaque el aspecto novedoso del espectáculo. Hoy es muy difícil hacer algo nuevo con títulos tan populares como este. Pero creo que en Verona con esta producción tan espectacular lo conseguiremos nuevamente.

¿Qué tipo de espectáculo espera el público de la Arena? Nos hemos dado cuenta en estos años de que, con más de 410.000 espectadores y 102 ediciones a nuestras espaldas, no existe una fórmula adecuada para todos. Por eso proponemos producciones con enfoques distintos, para que cada uno pueda encontrar el espectáculo que más conecte con su sensibilidad.

Ha colaborado con Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Graham Vick o Hugo de Ana. Todos directores considerados tradicionalistas. ¿Cuál es su enfoque de la dirección escénica? Para mí, la diatriba entre dirección tradicional y moderna está superada. No tengo nada en contra de las producciones que no respeten literalmente escenografías o vestuarios del libreto. Al contrario: dado que el teatro y la ópera deben interpelar a la contemporaneidad, veo con buenos ojos espectáculos ambientados en el presente o en épocas más cercanas. La verdadera diferencia está entre espectáculos inteligentes y no inteligentes.

¿Qué aprendió de este abanico de directores? La atención maniática, obsesiva, a cada elemento del espectáculo: desde la escenografía hasta el vestuario, la utilería o los movimientos de solistas y masas corales. Y comprender algo que estos grandes artistas tenían en común: vivir el trabajo como expresión de uno mismo, de las propias emociones y motivaciones más profundas. No como un simple trabajo, sino como una forma de expresión.

¿Cuál es el legado de Zeffirelli? Crear espectáculos profundamente envolventes con grandes masas, grandes grupos y grandes números. Comprendí que, involucrando a tantas personas, se generan dinámicas emocionales tan amplificadas que traspasan del escenario a la platea.

¿Y el de Pizzi y Vick? De Pizzi, sin duda, su enorme limpieza y rigor estético. La gran atención —diría incluso amor— por lo clásico: escenografías esenciales, profundas y respetuosas con la historia. Y, por supuesto, su incomparable gusto estético. Vick miraba más hacia las dinámicas sociales, atento a representar todas las tensiones que atraviesan la vida cotidiana. Fui su asistente en La traviata (Verona, 2007), producción que después se llevó a Birmingham, donde el maestro realizaba un espectáculo cada año. Era una iniciativa muy interesante basada únicamente en el voluntariado. Las entradas costaban muy poco. Era un proyecto de divulgación en una ciudad fundamentalmente obrera, incluso dura. Su atención a la contemporaneidad y a las dinámicas sociales fue algo que me fascinó.

¿Cuál es la regla de oro entre partitura, libreto y dirección escénica? La dirección y el espectáculo deben nacer de la música. Nunca puede existir disonancia. La música guía.

¿Qué piensa del concepto Regietheater? Evidentemente estoy influido por el hecho de que en Italia el Regietheater tiene una connotación negativa. Se identifica con ciertos espectáculos frecuentes en Alemania caracterizados por direcciones provocadoras y a veces gratuitas respecto al libreto. Pero no soy un experto en teatro alemán.

¿La inteligencia artificial, la realidad aumentada y el vídeo son el diablo o el agua bendita para la dirección escénica? No, la modernidad y la tecnología son herramientas, pero todo depende del uso que se haga de ellas. Una azada puede servir para cultivar o para matar a un hombre. Todo depende del uso. Lo fundamental es no delegar el diseño creativo en la inteligencia artificial. Hay jóvenes directores que quieren hacer una obra ambientada en la Segunda Guerra Mundial y la IA les crea un boceto: ese es un uso distorsionado. En cambio, si existe una idea muy precisa nacida de la música y una dramaturgia clara, la IA puede reducir enormemente los tiempos. Recuerdo cuánto dibujaba Zeffirelli para sus producciones… Hoy quizá ni siquiera sería posible, porque todo va muy deprisa: los teatros exigen proyectos acabados en dos meses. Pero siempre debe ser el hombre quien guíe a la inteligencia artificial, y no al revés.– ÓA