La creación lírica española actual

Son ambos compositores, quizás, los dos mayores exponentes de la creación lírica contemporánea en el país, con un catálogo vastísimo y un extraordinario dominio de la técnica y la escritura vocal. Ambos creadores se distancian de los clichés y limitaciones –o exigencias impuestas por el circuito escénico– que a menudo sufren todavía algunos artistas contemporáneos y formulan en estas obras un mensaje propio de gran espontaneidad creativa.

El abrecartas está basado en el texto homónimo por el que Vicente Molina Foix fue galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 2007. La colaboración entre compositor y libretista no era nueva, pues como ya se ha visto en páginas anteriores se remonta a El viajero indiscreto (ópera, 1990) y se desarrolla en La madre invita a comer (ópera, 1994) y en Variaciones de León (obra de cámara para seis voces solistas, 1993). Luis de Pablo reconocía cómo sus intereses literarios habían determinado su producción desde etapas muy tempranas y admitía la importancia del texto –en su contenido y en su forma de expresión– en la configuración de la obra: no solo en el trazo de las líneas vocales, que exigen la articulación clara y precisa que impone la dicción del libreto, sino también en la instrumentación, que se impregna de la prosodia del texto y supera la mera función de acompañamiento melódico para entablar una íntima relación con el canto.

El propio autor describe su lenguaje como “ordenación de los intervalos”, procedimiento en el que los diferentes sonidos se organizan a partir de una nota cuya presencia se impone sobre las demás. El método compositivo parte de una idea motívica principal que funciona como célula generadora del discurso. A lo largo de la evolución estilística que ha trazado la obra de Luis de Pablo, y especialmente desde la década de 1980, a partir de su trabajo en la ópera Kiu, la linealidad adquiere una mayor presencia, lo que exige un delicado balance en el entramado de las partes para la perfecta comprensión contrapuntística del conjunto.

La inmersión de la audiencia se logra aquí mediante la superación de los tradicionales parámetros perceptivos: la sala de conciertos se transforma en caja de resonancia en la que la ubicación de los intérpretes –en otras obras, también la intervención de la electrónica– contribuyen a una nueva espacialización que juega con la distribución de los focos sonoros e incluso con el empleo de la luz y el color, que adquiere una componente simbólica en obras como Libro de las estancias (2009), en la cual la gama cromática presenta, a su vez, una estrecha vinculación con la propia percepción sinestésica del compositor.

Sánchez-Verdú define la composición como complejo proceso de investigación. Así, Gramma (2006), El viaje a Simorgh (2007, estrenada también en el Teatro Real), Aura (2009), Il giardino della vita (2016) y Argo (2018) son magníficos ejemplos sobre cómo la intertextualidad determina el diálogo estético entre la nueva creación y la influencia de la historia, de la filosofía o de la literatura. La expresividad del texto nace de su componente semántico pero se recrea en la palabra, absorbiendo la elocuencia de su fonética y su declamación. La atrevida concepción formal de la obra se fundamenta en el dominio de la orquestación y en un infinito engranaje de acentos, silencios y fórmulas rítmicas.

Hacia la luz es una nueva oportunidad para apreciar la sensibilidad tímbrica de Sánchez-Verdú. El tratamiento de la voz se aleja de la pureza y homogeneidad propias del uso operístico tradicional en busca de la expresividad del canto no impostado o de la sonoridad propia del teatro noh japonés.

Invitamos desde aquí al espectador a que, a través del disfrute, conocimiento y asombro en la escucha de estas dos obras, supere la tradicional actitud de desconfianza ante el repertorio contemporáneo. La seguridad de encontrarse ante dos muestras de la mejor música contemporánea española ha de llevar necesariamente al público hacia la admiración y fomento de la nueva creación lírica.  ÓA