Especial Temporada Operística Española 2019/2020: Los artistas españoles en la temporada española

El Teatro Real arrancó la temporada con uno de los platos fuertes del año, el Don Carlo verdiano. En las 14 representaciones con tres repartos se encuentran dos cantantes españoles en papeles principales: el tenor toledano Sergio Escobar (Don Carlo, una función) y el barítono onubense Juan Jesús Rodríguez (Rodrigo, dos funciones). El primero ya hizo este papel hace dos años en el Maggio Musicale Fiorentino, el segundo hace uno en Tel Aviv, poco antes de su éxito en el Metropolitan de Nueva York. Son roles protagónicos, pero están lejos de la media docena de pases que tienen a su cargo los componentes del primer reparto. ¿Agenda, idoneidad o mercado? Cada caso es único, pero la dinámica no tanto. Por parte de los teatros con una mayor dotación económica –que han de cuadrar el interés del público con el coste de los cachets de las primeras figuras–, la postura está clara: “No existe ninguna jerarquía en los repartos del Teatro Real” afirma su director artístico, Joan Matabosch. “Es imprescindible que los repartos estén equilibrados entre sí y esto puede determinar que un cantante, español o no, esté en uno u otro reparto. No somos un teatro centroeuropeo de repertorio, que tiende a proteger a unos miembros que en algunos casos han renunciado a una carrera internacional para consagrarse a ese teatro, con la seguridad que ello comporta. Pero en realidad esto no tiene nada que ver con sus pasaportes. Proteger a los artistas no en función de su calidad sino de su nacionalidad es una aberración de la que solo puede salir ganando la mediocridad y el provincianismo”.

El resto de la temporada del Real se maneja dentro de los mismos parámetros, con una constante­ presencia y una importancia relativa: Sabina Puértolas será Adina y Borja Quiza Belcore en L’elisir d’amore y en el segundo reparto; Celso Albelo será Gualtiero, mientras que Yolanda Auyanet y Davinia Rodríguez encarnarán a Imogene, también en segundo y tercer reparto de Il pirata; la madrileña Rocío Pérez será la segunda Reina de la Noche, etcétera. Habrá que esperar a mayo para ver a un español como protagonista de un primer reparto: será en La Traviata, y será Plácido Domingo. “La evolución de las voces españolas es claramente positiva”, continúa Matabosch. “Quizás haya menos individualidades carismáticas que en otras generaciones, pero hay un nivel medio mucho más alto. Era inimaginable, en otras épocas, poder hacer al máximo nivel un reparto de Falstaff de Verdi con nada menos que seis cantantes españoles, como hicimos el pasado mes de abril”.

El Gran Teatre del Liceu de Barcelona, por su parte, mantiene una presencia española bastante estable, con un amplio número de cantantes asiduos presentes en el repertorio de corte italiano. El Palau de Les Arts, con una programación de récord si se analizan el tiempo del que se dispuso y la ambición de la propuesta, apunta hacia ese mismo argumento: “No es una cuestión de nacionalidades, sino de repertorio”, sostiene Jesús Iglesias, su director artístico desde hace apenas un año. “Se piensa en la calidad y en la adecuación de los posibles intérpretes no solo al rol sino a la concepción escénica y musical que se va a presentar. Una obra como Elektra, más ajena a nuestra cultura musical, tendrá más dificultades para incluir artistas españoles, italianos o franceses. Pero acabamos de estrenar Le nozze di Figaro con María José Moreno y Sabina Puértolas en los principales roles femeninos. Lo que sí puedo asegurar es que nunca se trata de una cuestión económica. Quien así lo piense, no estará poniendo en justo valor a estos artistas”.

La temporada de Les Arts se nutre de una mezcla relativamente balanceada que se beneficia de no tener que asumir la jerarquía del doble o triple reparto. Hay grandes figuras internacionales, aunque en ocasiones en contextos más sencillos que no precisan tantos días de preparación y sin la servidumbre de las agendas, como es el caso del ciclo de Lied que anuncia a Beczala, Urmana, Jaroussky o Arteta, o el de Grandes voces, con Joyce Didonato. “Obviamente, los grandes nombres funcionan en cualquier país. Pero mi experiencia es que el público español ha sido siempre especialmente receptivo, más que en muchos otros países, a la presencia de cantantes españoles en los repartos”, comenta Iglesias. “El proteccionismo, tanto económico como en el caso del arte, es una contradicción con el mundo globalizado que vivimos y con el espíritu (e incluso con la normativa) de la Unión Europea en la que estamos plenamente inmersos. De aplicarse sería tremendamente empobrecedor para los propios artistas y para el público. Las oportunidades para las carreras internacionales de los cantantes españoles también se reducirían notablemente”.

No todos somos iguales

Pero no todos los teatros se mueven en la misma franja presupuestaria, ni tampoco con los mismos repertorios. Un ejemplo de los primeros es la Ópera de Oviedo que ofrece seis óperas en su temporada y un compromiso claro con los cantantes de cantera desde hace muchos años. Mariola Cantarero, Simón Orfila o Àngel Òdena fueron cabezas de cartel la temporada pasada, y en esta lo son José Bros y Juan Jesús Rodríguez encabezando Un ballo in maschera. Celestino Varela, el director general de la entidad asturiana, pone en valor el trabajo realizado: “Desde aquí siempre hemos hecho una apuesta decidida por los cantantes españoles, es una marca que identifica a esta casa. El público ha vivido en nuestra sede, el Teatro Campoamor, noches inolvidables con títulos formados enteramente por elencos del país. Tenemos una política activa en ese sentido basada en audiciones, apoyo específico y funciones como nuestros Viernes de Ópera. Superamos con creces el cupo que existe, por ejemplo, en el modelo americano, aunque no veo necesario fijarlo por ley en un mercado globalizado. Simplemente hay que hacerse eco de la necesidad del joven cantante, del español en este caso, y apoyarle sin renunciar a artistas de otros países. Los roles, los títulos, los compositores, la música son patrimonio de la humanidad”.

El prisma del Teatro de La Zarzuela madrileño es único por la especificidad de su repertorio, y todo se ve como el negativo de la foto. Su norma es la excepción de otros coliseos. Su lucha es la de abrir el teatro a los jóvenes (con el Proyecto Zarza, entre otras iniciativas) sin perder pie con su público habitual. Adaptaciones, recuperaciones y nuevos repertorios forman parte del modelo de gestión que propone una temporada más: “Evidentemente nuestra dedicación al género lírico español implica que contemos mayoritariamente con cantantes españoles por razones idiomáticas y de estilo”, comenta Daniel Bianco, su director, “pero tenemos la fortuna de disfrutar de una generación brillante de cantantes líricos que están triunfando en todo el mundo y que defienden y gozan interpretando nuestra música. Nuestros artistas de hoy son herederos de una tradición, de una escuela con una mezcla de voces del pasado remoto y de otro pasado más reciente. El arte no nace por generación espontánea: es fruto del poso que van dejando quienes nos precedieron”.

La titularidad pública del teatro también condiciona de manera neta su apoyo, sin una mirada tan atenta a la taquilla y permitiendo una política de recuperaciones más activa: “Un teatro (y más uno público) tiene la obligación de asumir ese compromiso con las nuevas generaciones de cantantes españoles. Hay que dar paso a su mirada renovada y que puedan tomar el testigo. Es una condición ineludible para que esta forma de arte tenga vigencia y futuro”, concluye.

Un último y nada desdeñable factor es la propia mitomanía de una parte del público, que en ocasiones prima o castiga, según los casos, la presencia local. El análisis de las temporadas españolas parece indicar que el complejo inherente y provinciano de apreciar más lo de fuera va poco a poco aletargándose. “Yo no tengo claros los modelos de protección”, comenta Jordi, “más allá de la reacción y el apoyo del público a sus cantantes”.

Con todo, queda un largo camino por recorrer para poner de acuerdo las necesidades de directores artísticos, cantantes y público, y éstas en sintonía con el mercado en el que están inmersos. “Yo abogo por un modelo ecológico natural”, apunta Juan Jesús Rodríguez. “El que elige vivir en un territorio y ha demostrado que tiene talento debería tener más presencia. ¿El de fuera es mejor? No, en la mayoría de los casos. España a nivel artístico es una potencia y echo de menos cantar en mi país. Se trata de estar presente y en el puesto que nos merecemos. Yo quiero cantar en mi país, lo digo alto y claro”.  ÓA