ÓA 231: Franco Vassallo debuta en el Liceu con la histórica 'Aida' de Mestres Cabanes

Ó. A.: Ha cantado esta ópera en teatros y en la Arena de Verona. ¿Cambia mucho cantarla al aire libre?

Franco Vassallo: Sí. La Arena de Verona es un marco muy sugestivo, pero particular. Los matices y los colores de la voz se aprecian mucho mejor en un teatro que al aire libre. Cuando Toscanini supo que Aida se realizaría en la Arena de Verona, en 1913 con motivo del centenario del nacimiento de Verdi, comentó que “al aire libre se juega mejor a los bolos”. Era una manera de decir que el lugar ideal para la ópera es el teatro. En cualquier caso, existe una gran fascinación por la Arena de Verona, y en especial por Aida, que canté allí en 2013, en la edición del centenario, en la producción de 1913.

Ó. A.: Ha cantado en producciones escénicas históricas, en clásicas y en modernas ¿Alguna preferencia?

F. V.: Depende. Hay actualizaciones de óperas que evidencian la inteligencia del director de escena, sin embargo, hay otras que no tienen ningún valor artístico. Lo importante es que la propuesta transmita un mensaje y que no solo se pretenda sorprender con el efecto fácil del sexo y la sangre. El mensaje en la ópera lo da el compositor, y si confundimos el mensaje original nos arriesgamos a perderlo. El servicio que debe ofrecer actualmente la ópera es hacer entender cuál es el producto original, libre de las sobre-estructuras que le añadimos. Si estas ayudan a entender mejor el pensamiento del compositor, bien, pero si van en contra, tenemos problemas.

Ó. A.: ¿Cuándo decidió ser cantante de ópera?

F. V.: Cuando tenía unos 10 u 11 años, pero todavía no tenía la voz, aunque sí una gran pasión. Durante mis años de instituto, mi profesor de arquitectura me oyó cantar y me pidió si estaba interesado en que me escuchara su padre, Carlo Meliciani, que fue un destacado barítono. Me escuchó y me dijo que la voz era interesante, pero que debía estudiar. Él se convirtió en mi maestro y todavía sigue siéndolo a sus casi 91 años.

Ó. A.: Pero usted estudió Literatura y Filosofía en la Universidad, ¿acaso no estaba seguro de llegar a ser cantante?

F. V.: Siempre he sentido una gran pasión por la ópera. Amo la Cultura y las Artes y por ello decidí ir a la Universidad. Quería profundizar en diversos aspectos de la cultura y el conocimiento. En mi familia no había músicos, mi padre era ingeniero y mi madre jueza. Les gustaba el canto, pero no eran músicos. La pasión me sobrevino porque en un viaje profesional de mi padre por Argentina conoció a un argentino de origen italiano amante de la ópera que le animó a comprar discos de Maria Callas, Giuseppe di Stefano y Tito Gobbi, que él no escuchaba pero yo sí. De este modo me apasioné por la ópera, mientras hacía karaoke cantando ante el espejo escuchando los discos. Me gustaba mucho esa manera de expresarse de los cantantes, noble, áulica, antigua, pero verdadera.

Ó. A.: ¿Qué se siente más, cantante belcantista, verdiano o verista?

F. V.: Cantando Verdi me siento muy a gusto, porque él escribió muy bien para la voz. Es un gran compositor de voces, en parte debido a que él cantaba, también era barítono, y cuando escribe para esta cuerda parece que se ilumina, porque pone su alma. Puccini y muchos compositores veristas escriben páginas maravillosas para cantar, pero no siempre están bien escritas para la voz. Puccini ha escrito magníficos roles para barítono, como Michele de Il tabarro, o Scarpia de Tosca, pero la línea vocal no tiene la claridad de escritura que posee Verdi. Los papeles para tenor y soprano los escribe un poco mejor que los de barítono. Hablo de escritura para la voz. Eso no significa que no escriban música maravillosa. Son cosas diversas, los personajes de Puccini son magníficos, pero hay que estar siempre atento, porque obliga a dar unos saltos que no son ideales para la voz. En cambio, Verdi siempre te da un legato y una línea óptimos para el canto. Lo coge de Donizetti, quien también escribe de forma magnífica para la voz, al igual que Bellini. La diferencia es que Verdi desarrolla el dramatismo de las frases y en cambio Donizetti y Bellini son más contenidos.

Ó. A.: El suyo es un repertorio fundamentalmente de barítono italiano clásico ¿Está interesado en introducirse en otros repertorios?

Franco Vassallo: Me siento muy bien en el repertorio clásico de barítono italiano al que permaneceré fiel, pero me ha gustado mucho cantar Pêcheurs de perles y Faust. Y me gustaría hacer también Samson et Dalila y en el futuro probar el rol de Amfortas de Parsifal. En concierto he cantado el aria de Wolfram de Tannhäuser y adoro el personaje de Wotan, pero los roles wagnerianos para mí son más un sueño que una posible realidad.

Ó. A.: Ha cantado una cincuentena de roles, ¿cuál de ellos es el que le proporciona mayor satisfacción?

F. V.: Seguramente Rigoletto; con sus muchos claroscuros es de los que te proporciona mayor posibilidad de expresión. También Simon Boccanegra y Macbeth. Hay muchos roles fascinantes y uno que hice muy a menudo en la primera parte de la carrera, Figaro de Il barbiere di Siviglia es espectacular.

Ó. A.: Fígaro es un personaje cómico y entrañable, pero también hace personajes de malo como Jago, Scarpia o Macbeth.

F. V.: Me gusta tanto la comedia como la tragedia. Son las dos caras de una misma moneda. Adoro la comedia, pero no negaré que hacer de malo me gusta mucho, porque me permite explorar en escena la parte oscura del ser humano. Es muy terapéutico. Y lo que también me gusta de los malos es que tienen mucha energía.

Ó. A.: ¿Tiene un malo preferido?

Franco Vassallo: Jago es el arquetipo del mal absoluto. Está muy próximo al Barnaba de La Gioconda. Scarpia es el poderoso que quiere controlar, no es como Jago. Macbeth es fascinante, porque es el enigma del poder, el deseo de alcanzar el poder, pero sin perder la propia alma. Macbeth es un guerrero valeroso que quiere ser rey, pero no osa ni pensarlo porque entiende que deberá lanzarse al mal y al principio no quiere, pero su mujer es quien lo empujará. Es una progresión fascinante, porque muestra la otra cara del poder, la de la oscuridad.

Ó. A.: ¿Hay algún personaje que todavía no ha cantado y que le gustaría interpretar?

F. V.: Sí, el de Francesco Foscari de I due Foscari. Espero poder hacerlo pronto. Y Gianni Schicchi. He hecho el Michele de Il tabarro y me gustaría poder cantar los dos personajes, en una misma velada, Michele y Schicchi. Es un reto teatral fascinante, porque son dos personajes muy alejados y diferentes.

Ó. A.: Ha cantado el rol de Ford de Falstaff y el mismo Falstaff. ¿Cómo se ve la ópera haciendo dos personajes?

F. V.: Ford es el personaje de barítono clásico verdiano. Falstaff es de una tesitura un poco más grave. Lo he debutado, pero quiero esperar un poco más para incorporarlo a mi repertorio habitual, porque es un personaje de madurez. Lo canté por primera vez hace un par de años, en cambio Ford lo tengo en repertorio desde hace tiempo. Hacer dos personajes en una misma ópera es como si hicieras dos obras diferentes. Hay que estar muy atento para no confundirse, en especial en un concertante. En L’elisir d’amore siempre he cantado Belcore, pero me está interesando ahora cantar el rol de Dulcamara. También me gustaría hacer el doctor Malatesta de Don Pasquale, aunque cuando empiezas a hacer papeles dramáticos ya no te llaman para hacer los cómicos… Creo que es importante en la vida de un artista mantener esta dualidad, porque es beneficiosa tanto para la voz como para la expresividad.

Ó. A.: ¿Qué nuevos papeles trabaja para incorporar a su repertorio?

F. V.: En septiembre de 2020 cantaré por primera vez el rol de Gianciotto de Francesca da Rimini de Zandonai. Y este año que acaba de terminar he debutado cinco nuevos papeles: Barnaba de La Gioconda, Ernesto de Il pirata, Michele de Il tabarro, Miller de Luisa Miller y el Réquiem de Donizetti.

Ó. A.: ¿Cómo trabaja un nuevo personaje? ¿Lo estudia solo o con un coach?

F. V.: Primero leo el libreto como si fuera una obra de teatro, luego estudio la música y lo junto todo y sigo con el estudio desde el punto de vista vocal y acudo a ver a mi maestro para que me dé su opinión. Siempre me da consejos interesantes sobre la vocalidad y la interpretación. Finalmente trabajo con el pianista repertorista.

Ó. A.: En su biografía dice que ha estudiado el método Stanislavski, ¿por qué?

F. V.: La ópera es teatro en música y la parte teatral es fundamental. Desarrollar la vertiente dramática del personaje es importante y el método que desarrolló Konstantín Stanislavski es muy bueno. Decía que no te metas en el personaje, que seas el personaje.

Ó. A.: ¿Cómo se ha ido desarrollando su voz?

F. V.: Un poco como el vino. Siento que ha ido ganando en armónicos. Una cosa que me viene de la escuela de canto en la que me he educado es no separar jamás volumen y potencia de la dulzura. El sonido siempre debe discurrir sul fiato. Si uno empieza a desarrollar mucha potencia sin mantener la dulzura puede ser un peligro.

Ó. A.: ¿Tiene algún cantante preferido?

Franco Vassallo: Me gusta mucho Aureliano Pertile, un tenor excepcional. La suya es la mejor técnica que pueda escucharse. Hay otros cantantes fantásticos, como Beniamino Gigli y Giacomo Lauri-Volpi, pero Pertile te permite escuchar la grandeza de la técnica y de la expresividad teatral. No era un tenor ni alto ni guapo y su voz no era especialmente hermosa, pero supo hacer bella una voz que no lo era con el uso sabio de la técnica del canto sul fiato. Además era un hombre de teatro increíble, entraba en los personajes. Es un artista al que amo y que me inspira mucho. ÓA