Verdi levanta el telón en el Teatro Real

Caminar en los márgenes siempre es arriesgado, máxime cuando al otro lado del precipicio habita lo inexplorado o el rechazo de la censura más politizada. Verdi alcanzó en Un ballo in maschera toda la belleza de lo confuso: ni romántica ni realista, ni íntima ni pomposa, ni trágica ni cómica.

En pocas ocasiones la censura ha estilizado tanto el lápiz creativo de un autor como en esta ópera sobre seducciones múltiples que empezó en una convulsa Suecia y acabó radicada en el Boston prerrevolucionario. Aún con sus licencias y amoríos inventados, la historia que rodeó al asesinato en un baile de máscaras de Gustavo III (transformado en un primer libreto en el duque de Pomerania y, más tarde, en el conde de Warwick), se ha revelado como un material eficiente para el drama antesala de la madurez de Verdi. En Un ballo in maschera el progresivo abandono de los códigos estéticos y estructurales de la ópera romántica se hacen muy patentes, entre otras cosas por una instrumentación más oscura, por un diseño de personajes mejor elaborado y un progresivo abandono del lenguaje belcantista. “El Ballo es menos una tragedia romántica que una comedia con ribetes negros”, comenta a ÓPERA ACTUAL Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real. “Hay quien la compara con Don Giovanni por eso, y también por la facilidad con que Verdi reúne los ambientes más extremos dentro de un armazón refinado y clásico, pasando de uno a otro sin la menor sensación de incongruencia. Tal vez también se equiparan por los paralelismos entre las escenas de seducción”, concluye.

La propuesta escénica de Gianmaria Aliverta, estrenada como arranque de temporada en el Teatro La Fenice hace tres temporadas, traslada la acción al Boston del siglo XIX, una ciudad que ya ha presenciado el final de la guerra civil, la derrota del bando confederado y la posterior abolición de la esclavitud.

Los escenarios se suceden con precisión estética casi quirúrgica: un salón de corte parlamentario, un espacio indefinido repleto de recargados espejos giratorios o la terraza entre la antorcha y la cabeza de la Estatua de la libertad. El componente racial va a ser la clave de bóveda de todo el montaje, pasando de lo criollo a lo mulato y analizando en ese paso la lenta digestión de los cambios sociales y la violencia estructural en la que deviene cualquier sistema represivo. El mensaje no se busca a través de un elaborado microuniverso simbólico, sino que se traslada con inmediatez. Sirvientes maltratados, linchamientos y ecos del Ku Klux Klan aportan lo concreto a una escenografía que explota el aspecto icónico de la sociedad norteamericana y acaba inmersa en una novela histórica con personajes de ficción pero conflictos reales y, por desgracia, plenamente actuales.