'La Traviata' en el Real: del montaje de la pandemia a la normalidad de Willy Decker

La vuelta a la normalidad, en palabras de Matabosch, no era, en aquellas circunstancias, “un decreto que había que esperar que alguien promulgara, sino una conquista en la que el teatro debía jugar un papel activo. Prudente, desde luego, pero activo”. Y aquella Traviata de Leo Castaldi hizo historia y dio la vuelta al globo. El escenógrafo la recuerda como “un desafío, el mayor al que me he enfrentado en mi carrera, quizá porque tenía muchos ojos encima, aunque todo fluyó muy bien. Hicimos de las limitaciones el concepto de la producción. Fue un momento emocional muy especial. Todo el mundo que trabajaba en el teatro tenía ganas de sacarlo adelante y había unas ganas y una disposición nunca vistas”, comenta. El director artístico asegura que en 2020 resultaba imposible recuperar la puesta en escena programada de Decker, incompatible con la normativa de seguridad que el propio comité médico del Real había decretado. ¿Cómo reaccionó el director de escena? “Se ofreció a inventar otra completamente diferente que siguiera el protocolo sanitario, y siempre le agradeceré el ofrecimiento. Pero también logramos por parte de la Ópera de Ámsterdam no tener que devolver la escenografía y poder volver a programar la producción en 2025. Y preferimos emplazar a Willy Decker a realizar su producción en 2025, y pedir a su asistente Leo Castaldi una producción semiescenificada de urgencia que nos permitiera esa recuperación de la actividad”. Y Castaldi se acordó, cuenta, de una conversación que había mantenido con un amigo escenógrafo: “Me preguntó cómo montaría una escena para una ópera en la que me deshiciera de todo. Y le contesté que montaría una cuadrícula sobre el escenario y poco más. Al pedirme Matabosch esa versión semiescenificada recordé aquella charla y lo uní con el concepto de isla, de aislamiento, la idea de confinar a los cantantes. Se trataba de cuadrados desnudos, a algunos de los cuales añadiríamos un mueble, a modo de pincelada. Se trataba de que pareciera una nueva producción. Fue una escena clásica y al tiempo conceptual, siempre respetuosa con la historia”.

En el descanso, Nadine Sierra, la mejor intérprete posible de Violettas en la actualidad, tal y como lo demostró con su impresionante retrato de la cortesana en el Liceu de Barcelona hace unos meses (ver crítica en este enlace), abre la puerta de su camerino y habla a corazón abierto para recordar que ella estuvo en el elenco de 2020, pero que las circunstancias de la pandemia, unidas a la grave enfermedad de su padre, le hicieron apearse del reparto. Hoy, superada una ruptura amorosa y recuperada la salud de su progenitor, celebra haber dejado pasar el tiempo para hacer crecer a Violetta en su interior: “Iba a debutar el papel en aquel momento, pero me siento muy satisfecha de haber dicho que no, porque me ha servido para madurarlo y conocerlo profundamente, que es mi manera de trabajarlo. La ópera es música y teatro y el público tiene que creer lo que está viendo”. Confiesa haber vivido una infancia “bastante dura y complicada con mis padres. También, mi mejor amiga falleció. Cuando eres artistas y vives emociones tan fuertes como las que yo he vivido, lo llevas al escenario y te vuelcas. Para interpretar a una verdadera Violeta, a Lucia o a Gilda has de dejar tu alma en el escenario. Ya lo hicieron Callas o Renata Scotto. Yo me enamoré de la ópera a los diez años y cuando estoy arriba vuelvo los ojos a los dramas que he sufrido para hallar inspiración y fuerza, y me agoto. Acabo exhausta. El dolor ayuda a construir tu vida”, dice la soprano.– ÓA