Emilio Sagi celebra en Oviedo 40 años de carrera

ÓA: ¿Cómo ha cambiado el negocio en estas cuatro décadas?

Emilio SAGI: El negocio, hablando de negocio, no ha cambiado mucho. Lo que sí ha cambiado es la forma de concebir este arte. Cuando yo debuté era dificilísimo plantear la concepción de la ópera como un espectáculo de teatro cantado, un dramma per musica, que es lo que realmente es. Esa visión la tenían genios como Visconti o Strehler, y todo lo más que se podía hacer era tratar de llevarlo un poco a tu terreno, y convencer a los cantantes de todo eso. El hecho teatral existía, pero nacía de las propias personalidades de artistas como Callas o Del Monaco. Ahora es difícil encontrar a uno que no lo vea como un espectáculo total.

ÓA: Ellos también han cambiado.

E. S.: Claro. Hay divas y divos como los de antes, pero con otra visión del espectáculo y otra forma de vivir este divismo. Para enfrentarse a las 1.300 personas que vienen a un teatro es claro que tienen que ser divos. Pero antes, para hacerse propaganda, organizaban un escándalo, les conocía todo el mundo y su mito aumentaba, y eso ahora no se da, o se hace de otra manera. Pienso en las redes sociales, por ejemplo. Los cantantes son seres absolutamente deliciosos, y nada histéricos o histéricas.

ÓA: ¿Qué se ha ganado y perdido en el camino?

E. S.: Se ha ganado profundidad en las presentaciones de las obras, con el florecimiento de esa visión teatral. Y se ha perdido familiaridad en el trato dentro de los teatros. Antes el primer día de ensayos el director o el sobreintendente saludaba a todo el mundo. Ahora eso lo encuentras en muy pocos casos. Con los cantantes sí se mantiene porque, cuando llevas tantos años, pocas veces te encuentras con alguien con quien no hayas trabajado nunca. Normalmente hay armonía, más allá de los problemas normales en un trabajo que no es nada fácil.

ÓA: Y que no suelen trascender…

E. S.: Es que trabajamos en ocio, y no tenemos que decir que nos esforzamos y sudamos mucho, porque eso le quita magia a la experiencia que vive el público, el cual tiene que ver, al abrirse el telón, aparecer como de la nada un mundo maravilloso, no que llevamos trabajando en él mes y medio casi de sol a sol… Aunque a veces te apetezca explicarlo y que se sepa.

ÓA: Si se dice que en este país todos son entrenadores de fútbol y ahora epidemiólogos… ¿Hay un crítico en cada butaca?

E. S.: ¡Claro que sí! El otro día, desayunando en una cafetería, dos señores discutían a gritos por un jugador del Barça. Todos también somos expertos en ópera y directores de teatro. Me asombra gente que no sabe leer una nota y te habla del fa sobreagudo y si lo dio o no tal cantante. Una gran diva me dijo una vez que el mundo de la ópera estaba lleno de talibanes, cuando lo cierto es que nada te toca en una tómbola.

ÓA: ¿Se crea con libertad?

E. S.: Yo creo que sí, sobre todo en Europa. Es raro que un director artístico o un sobreintendente te examine, porque cuando te llaman ya saben por dónde vas a tirar. Nunca he tenido problemas, y tampoco colegas míos que hacen cosas mucho más particulares. Es más complicado cuando, por ejemplo, tienes un director de intimidad para vigilar las escenas eróticas, figura que ha aparecido en Estados Unidos. Me parece absurdo que venga un señor a decirnos si dos artistas pueden o no besarse o meterse en una cama.

ÓA: Porque la ópera se ha visto afectada por investigaciones sobre acoso sexual y abuso de poder.

E. S.: Es que la lírica, como cualquier trabajo, no es ajena a los problemas que, por desgracia, tenemos en la sociedad. Ahora se tiene mucho más cuidado. Habrá gente que abuse, pero la mayoría no.

ÓA: ¿Cómo se ha llegado a que el director de escena tenga fama de ser el malo de la película.

E. S.: En este mundo siempre ha habido malos de la película, lo que pasa es que han ido cambiando. Antes eran las divas divos, después el director de orquesta y luego el de escena, que se decía que tenía la culpa si un señor o señorita, por cantar acostado, no daba el fa sobreagudo, cuando lo cierto es que, si les viene, les viene igual. A los aficionados, sobre todo a los más tradicionales, no les gustaba que hicieras un cambio de época, o que se destacase la violencia que encierran obras como Carmen o Pagliacci. Yo creo que hay que tener una gran libertad y que en la ópera nada es sagrado. Nadie quiere quitarle protagonismo al autor, pero sí decir algo de esa obra.

ÓA: Si levantasen la cabeza, ¿qué cree que pensarían compositores y libretistas?

E. S.: Pues seguro que les parecería bien, porque eran artistas, no banqueros ni notarios. Vivían de una manera muy particular, y crearon esa obra porque era lo que el momento les pedía. Al fin y al cabo es como un acto de amor. Si viesen su obra hoy en día tal y como se hizo, pongamos, en 1883, quedarían muy decepcionados. Es importante remozarlas, construir sin destruir, porque las obras pierden circunstancias.

ÓA: ¿Qué tienen el bel canto romántico y la zarzuela para haberle enganchado tanto?

E. S.: Que forman parte de mi familia, que vivió por y para la zarzuela. Lo que oías en casa eran anécdotas del teatro. A los 6 años vi cantar en el Campoamor a mi tío, maquillado y vestido, y esas cosas te marcan. La zarzuela es como mi propia vida. Y el bel canto, aunque al principio de mi carrera no me gustaba mucho, porque prefería un repertorio con más carne, luego me di cuenta de que en él tenía una inmensa libertad, porque los argumentos no estaban del todo desarrollados y podía darles otra vuelta de tuerca. Me gustó mucho esa sensación, y debe ser que salió bien, porque no paran de pedírmelo y en él sigo muy feliz.

ÓA: Durante años compaginó la creación con la gestión, como director del Real, el Teatro de La Zarzuela y el Arriaga de Bilbao. ¿Lo echa de menos?

E. S.: Ahora ya no. Nunca me sentí mal como gestor, pero ya está. Tengo una edad, quiero vivir un poco, y esa vertiente hacía que no tuviese ni un minuto de tranquilidad. Cuando venía de hacer algo fuera me encerraba en un despacho con una montaña de papeles y miles de problemas por solucionar.

ÓA: ¿Cómo afrontaría la situación causada por la pandemia de la Covid-19?

E. S.: No sé lo que haría, porque es una papeleta tremenda. La reducción del aforo influye en la taquilla, y los cantantes tienen un caché y están contratados para un número determinado de funciones. Luego está la distancia de seguridad en el escenario, en el foso de la orquesta… Espero que se encuentre pronto una vacuna, porque no me imagino a Carmen a dos metros de Don José.

ÓA: Y más allá de esta coyuntura, ¿de qué depende la supervivencia de la lírica?

E. S.: En primer lugar, de que haya clientela, porque todos vamos para viejos. Tiene que entrar gente nueva, sin echar a los que ya están, porque en el momento en que ya no haya público el político de turno dirá que para qué hay que tener tal teatro abierto. Por eso es importante tratar de hacer funciones cuyo coste no sea tan caro, para poder ofrecer entradas baratas y precios especiales para jóvenes. Y también es necesario, si no hay ópera de nueva creación, que el repertorio se vea de una manera absolutamente contemporánea, que emocione a un público de hoy en día. La porcelana de Limoges sigue siendo igual que en siglo XVIII, porque es porcelana. Pero la ópera, la zarzuela y el teatro son un espectáculo vivo, los artistas le dan a cada personaje emociones que se transmiten y que van más allá de lo que está escrito por el compositor o el libretista. Es ahí donde los directores de escena tenemos bastante responsabilidad. Hay que evolucionar, igual que lo hacen la sociedad y los tiempos. Sin llegar, claro, al extremo de vestir a Mimì de astronauta. Hay otros modos y formas de hacerlo.