ÓA 246. Historia de la Ópera LII. Nuevas voces francesas (II)

La acción –que en el original de Tegnér se desarrolla en la Suecia de Carlos XII– fue trasladada a la Galia medieval. El druida Arfagard y el joven Fervaal son heridos por unos bandidos. La maga Guilhen cura las heridas y se enamora de Fervaal, hijo de un rey celta, cuya misión es salvar su patria de las invasiones sarracenas. Fervaal se debate entre el deber y el amor; aparece el dios Kaito en forma de serpiente, y anuncia que si vence el amor, los dioses morirán. Tras la batalla llega la derrota, y Guilhen muere en brazos de Fervaal, elevándose éste hacia la luz, y eligiendo el amor como verdadera religión. Al final de la ópera, D’Indy utiliza la melodía gregoriana del pangue lingua como símbolo del triunfo del cristianismo. Fervaal muestra claras influencias de Wagner en cuanto a la extraordinaria orquestación, que incluye una gran participación de los vientos –con la originalidad del recién inventado saxofón–, y el uso de los instrumentos para impulsar la acción teatral y definir la psicología de los personajes. Además D’Indy utiliza en cierta medida la técnica del Leitmotiv, y alude en más de una ocasión al tratamiento instrumental presente en Die Walküre o Parsifal. La gestación de Fervaal fue lenta y el estreno se produjo en 1897, en el Théâtre de La Monnaie de Bruselas. Cuesta creer que una ópera tan magnífica haya caído prácticamente en el olvido, mérito al que se añade la importancia de reivindicar un autor que fue una imprescindible figura intelectual y cultural de su época.

El propio Dukas aclaró el significado literario y musical de su obra con estas palabras: «Tanto el hombre como la mujer preferirán la esclavitud familiar a la incertidumbre que es el precio de la libertad». En efecto, la protagonista femenina –cuyo papel es de enorme dificultad, similar al de las heroínas wagnerianas– debe superar una orquesta de grandes proporciones y sostiene toda la acción dramática, además de mostrar muy variados registros psicológicos y teatrales. La evolución del personaje de Ariane como mujer, la espléndida orquestación y su participación en el desarrollo de la trama, y la profunda simbología musical de las diferentes escenas, la convierten en objeto de admiración. En otro plano de lectura, los pentagramas de Dukas defendían tímidamente la liberación femenina.

Otro de los compositores franceses hoy olvidados es Henri Rabaud (París, 1873-1849), autor de piezas orquestales, música incidental y de cine, y de varias óperas, entre las que destaca Mârouf, savetier du Caire (Mârouf, zapatero de El Cairo), que en su momento gozó de gran éxito. Alumno de Massenet, Rabaud se posicionó contra la vanguardia musical radical, defendiendo la tradición más conservadora. Su importante labor como director orquestal –llegó a ser titular de la Sinfónica de Boston– le acercó a todo tipo de repertorios y le descubrió los secretos de la orquesta, una de sus virtudes más destacables. Mârouf, ópera cómica en cinco actos con libreto de Lucien Népoty inspirado en Las mil y una noches, da fe de ello. Mârouf, un zapatero que vive en la miseria, soporta las exigencias de su caprichosa mujer, quien le acusa injustamente de haberle pegado. A pesar de su inocencia, el zapatero es condenado a ser golpeado y huye de El Cairo. En un viaje hacia el Golfo Pérsico encuentra a Ali, un amigo de la infancia que se ha hecho rico y que viste a Mârouf con elegantes vestidos, haciéndole pasar por un comerciante de éxito que espera la llegada de una caravana maravillosa. Creyendo el engaño, el Sultán ofrece a Mârouf la mano de su hija Saamcheddine y la pareja acaba enamorándose. Cuando se descubre el engaño, Mârouf es condenado a muerte y Saamcheddine se disfraza de hombre para rescatarlo, escapando ambos. En el desierto, Mârouf ayuda a un anciano que resulta ser un genio, y le concede su deseo de materializar la caravana. El Sultán le perdona y acepta el matrimonio entre Mârouf y Saamcheddine.

Desde los primeros compases, Rabaud describe el mundo oriental con un canto de líneas sinuosas, que une lo exótico con la tradición decimonónica francesa, sin olvidar influencias de Musorgsky. La presencia de Wagner se hace patente en el uso expresivo de los instrumentos para avanzar acontecimientos dramáticos, y en la suntuosidad sonora. La ópera incluye unas magníficas danzas que suelen interpretarse en concierto de forma aislada.

Pero una de sus óperas más sorprendentes es el idilio polinesio en tres actos, L’île du rêve, primer acercamiento al género y escrita con apenas 17 años, cuya belleza asombraría a su profesor Massenet. El libreto de Georges Hartmann y André Alexandre, inspirado en Le Mariage de Loti –del autor de Madame Chrysanthème, la historia que inspiró a Puccini para Madama Butterfly– describe los amores entre un capitán de barco francés y una joven polinesia a la que después abandonará. La historia se desarrolla de forma simbolista, con un tratamiento metafórico e introspectivo de la narración, y contemplativo de los sentimientos individuales. Como es habitual en Hahn y bajo influencia de su maestro Massenet, la partitura destaca por su bellísimo lirismo, de corte melancólico, que incide más en la historia de amor que en la tragedia de la separación. Hay momentos conmovedores, de matices sonoros refinados, y una clara intención por parte del joven compositor de mostrar la lectura moral de la obra: la imposibilidad de reconciliar dos mundos tan opuestos, y el dolor causado en la naturaleza inmaculada por el colonialismo y la civilización moderna.– ÓA

* Verónica MAYNÉS es musicóloga, pianista, profesora y crítica musical