Diego Martin-Etxebarria, director: “‘Ariadne auf Naxos’ es una gran broma de Strauss”

Como director musical, ¿Cómo interpreta esta partitura de Richard Strauss?

Sinceramente, es todo un reto. Es una partitura con una grandísima complejidad para todos los integrantes, tanto en el escenario como en el foso. El prólogo es un diálogo constante entre múltiples personajes, con una cierta sensación de recitativo, pero con todo especificado hasta el mínimo detalle. Hay algo en él que me recuerda la estructura de diálogos frenéticos de Gianni Schicchi, aunque el lenguaje musical sea tan diferente. Después, en la ópera la escritura es radicalmente diferente: grandes líneas vocales, arias de gran complejidad tanto por la tesitura como por la exigencia de fiato junto con pasajes de conjunto llenos de contrapunto. Y en cuanto a la orquesta, a pesar de ser una plantilla reducida la sonoridad que consigue Strauss en numerosos pasajes no se distancia mucho de otros títulos para agrupaciones más grandes, a lo que se añade una escritura camerística que convierte a todos los músicos en solistas, incluidos los de cuerda que normalmente tocan la misma línea.

¿Considera que la obra combina un carácter cómico de los personajes de la commedia dell’arte, con momentos más trágicos basados en el mito de Ariadna?

Este es el gran debate. La opinión más tradicional es que el prólogo es básicamente cómico y la ópera más seria, sin embargo, yo cada vez me decanto más por pensar que todo es una gran broma de Strauss. Tengo la sensación de que gran parte del mito de Ariadne también lo trata como excusa para hacer comedia sobre las óperas serias y que, en realidad, el tenor y la prima donna siguen siendo ellos aun cuando interpretan a Ariadne y Bacchus utilizando ciertos elementos característicos de chistes sobre sopranos y tenores: tesituras extremadamente exigentes, líneas de canto larguísimas… Incluso el personaje de Zerbinetta también aglutina una serie de tópicos sobre lo que genéricamente se espera de una soprano ligera.

¿Ha podido ver algunos detalles de la producción de Nicola Berloffa? ¿Qué le ha parecido?

Sí. Antes que nada quiero agradecer a Nicola lo agradable que ha sido la colaboración. Insisto en que la música me encanta, pero disfrutar de un trabajo distendido y alegre para mí es una prioridad. También hay que destacar lo respetuoso que ha sido con la historia y con que nada interfiera con el resultado musical. Tanto la escenografía como el vestuario son hermosos y estoy seguro de que el público, además de admirar la belleza del escenario, podrá seguir el desarrollo de la historia con facilidad, incluso sin hablar alemán, aunque, por supuesto, habrá subtítulos.

Y, sobre los solistas, Serena Sáenz (Zerbinetta), Irina Churilova (Ariadne) y Michael König (Bacchus) tienen papeles realmente difíciles.

Precisamente fui estudiando la escritura tan endiabladamente difícil no solo de estos dos personajes femeninos y también de Bacchus que, en cuanto a minutaje es significativamente más corto, pero durísimo para cualquier tenor; empecé a desarrollar la idea de que esta exigencia vocal tuviera un sentido dramático: presentar una colección de bromas sobre lo que se espera oír de cada una de estas voces. El papel de Ariadne cumple con todos los elementos característicos de una soprano lírica: tesitura de más de dos octavas, líneas melódicas muy largas con pocos espacios para respirar junto con grandes saltos melódicos. Zerbinetta, siguiendo los tópicos de una soprano ligera, alcanza unos niveles de virtuosismo difíciles de igualar, también con una tesitura extrema, coloraturas rapidísimas y saltos melódicos más rápidos y abruptos. Bacchus es más breve, pero constantemente canta en una tesitura muy demandante para la voz de tenor, frecuentemente en el registro medio agudo y con el chiste añadido, según lo entiendo yo, de que, aun cantando menos tiempo, la espectacularidad de su línea de canto puede “robar” la función.

Como director, a lo largo de su carrera, ha combinado el repertorio sinfónico con el operístico. ¿Cuál es la principal diferencia?

La cantidad de variables añadidas en una producción de ópera es enorme. El incremento en el número de personas involucradas es más que significativo y no me refiero solo a los cantantes, coro, actores, bailarines… Que se ven en el escenario, sino también al gran grupo humano entre bambalinas que hacen que un espectáculo de semejantes dimensiones sea posible. Pero quizás la diferencia más importante no reside tanto en la cantidad de participantes sino en la distribución de responsabilidades y protagonismo. En un programa sinfónico el protagonismo y la responsabilidad están muy claros: reside en la orquesta. En una ópera nadie puede ser protagonista y todo el mundo tiene que realizar concesiones para que el conjunto pueda lucir al mismo nivel. Por supuesto que dentro de una orquesta se realizan acciones en beneficio de los compañeros en momentos puntuales y del grupo en general, pero en una ópera son muchísimas más las personas a las que se les exige generosidad artística.