'Marie', sobredosis dramática con música torrencial

No deja de ser paradójica la contemplación de una ópera que, a su medida, es un reverso siglo XXI de Wozzeck, de Alban Berg, en una ciudad en la que, casi un siglo después, la obra maestra del compositor austríaco aún no ha sido vista. Ahora bien, tampoco resulta complicado justificar, hoy, una pieza de teatro musical como Marie, que aborda la violencia de género desde una perspectiva dramática un tanto espartana y hasta, a veces, tópica, con mujeres que viven su sexualidad en el contexto de la prostitución y la droga y con el contrarrelato del hombre atormentado que toma el camino de la violencia para ahogar en sangre sus miserias. ¿Por qué no reivindicar sexualidades más libres y alejadas de mal? El libreto de Lola Blasco se crece en los alambicados y seductores discursos que se dan con voz en off –en los que se cruza a Napoleón con Rousseau y el Marqués de Sade– y se embarra en algunos diálogos escrito con tiralíneas. En este sentido, sobra teatro y falta un poco más de concreción, la que es capaz de dar la narradora, la música y las voces cantadas, sin necesidad de interludios teatrales que fracturan la continuidad y dilatan el suceso que se nos cuenta.

La realización escénica de Rafael R. Villalobos resulta soberbia pese a los limitados medios con los que juega, una imponente cruz rematada con neones que se mueve en el espacio representando, libérrimamente, estaciones del via crucis. Hay un afán de envolver a Marie en una sordidez explicitada por cuerpos desnudos (una vez más, más femeninos que masculinos) y en el medido uso de luces estroboscópicas; un recurso que el cineasta Gaspar Noé ha llevado en la retorcida y sensacional Lux Aeterna (2019) al mayor nivel de delirio epiléptico posible y al que Villalobos acude en algunos de los instantes de mayor rotundidad escénica del montaje. Transiciones en las que se impone la música amorfa (por sólida y orgánica) de Alonso, que nuevamente recurre a la amalgama acústica y electrónica para crear momentos de furibunda intensidad sin caer en clichés incidentales. También escapa de lo previsible en las partes cantadas. Ni rastro aquí de esos tics de zarzuela contemporánea en los que han incurrido no pocos (grandes) compositores a la hora de abordar el género operístico. Se opta por la declamación y también la impostación; en algunos pasajes guturales en la voz de Xavier Sabata se parece adivinar a la del mismo Niño de Elche de The Sins. El contratenor realizó una labor encomiable en los pasos de canto natural a falsete. Por su parte, Nicola Beller Carbone fue una Marie, víctima, de voz de centro denso, casi mezzo en ciertos momentos, en uno y otro se admira su intensa entrega actoral a una obra cuyo mejor epílogo podría constituir una nueva adición que cerrara una hipotética trilogía de miserias contemporáneas.