Un sobrio ‘merveilleux’ impone la luz del mito

No obstante, el merveilleux berlinés lo es solo con matices. Aún y representando una herramienta importante en la recuperación de este repertorio para la escena contemporánea —por su fácil atractivo—, el equipo de Elíasson renuncia a demasiadas oportunidades para hacerlo brillar. Inexplicable es, por ejemplo, la ausencia del monstruo marino en el cuarto acto, que se hace notar en una propuesta llena de humo, luces de sala y destellos. El artista danés propone en realidad una espectacularidad destilada, reducida a su esqueleto: la luz. El juego de luces y espejos es admirable y dialoga a la perfección con las ideas sobre la armonía del teórico Rameau, pero su sobriedad no deja de faltar al mandato estilístico de la tragédie lyrique. Las coreografías de Aletta Collins, dentro de la apuesta segura del ballet neoclásico, tienden a corregir el vacío escénico, aunque los bailarines aparecen desnudos. Muy interesantes fueron, en este sentido, los solos, más cercanos a la danza contemporánea, auténticos homenajes a la tradición tardo-barroca de la silueta.

La controlada espectacularidad visual chocó de frente con un reparto de ensueño. La exploración de todos los registros vocales se debe tanto a la inquietud compositiva de Rameau como —otra vez— al dictado del merveilleux, que en la tragédie lyrique no se suponía solamente visual, sino también sonoro. El tenor belga Reinoud Van Mechelen fue clave en este sentido: su Hippolyte pasó por encima de todo en la velada del domingo; explotando al máximo su timbre aterciopelado, lidió a la perfección con un incomodísimo registro de tenor, al límite con el de contralto. Anna Prohaska, a cargo de su compañera Aricie, no tuvo nada que hacer en los maravillosos dúos del primer acto, aunque hay que decir que la partitura privilegia claramente al papel masculino.

Prohaska brilló con luz propia cuando pudo deshacerse momentáneamente de las cadenas del estilo francés para desenvolverse, más cerca de Donizetti que de Lully, en la pastoral del último acto, “Rossignols amoreux”. Magdalena Kožená impresionó más por su trabajo escénico con el personaje de Phèdre que por su voz, especialmente en el tumultuoso final de la primera parte. Mención especial a Rattle y la Freiburger Barockorchester, que homenajean al quehacer artístico de Rameau con una gran conciencia de conjunto, fruto de un estudio fresco y experimental de las texturas orquestales. Y quizás también al final propuesto por Aletta Collins, que deja un bailarín solo en el escenario, segundos después de la cadencia final, mientras va cayendo el telón. Música y baile, sonido y luz, se deshacen a ritmos diferentes, compañeros anacrónicos en la compleja rendición de lo maravilloso.  * Lluc SOLÉS, corresponsal internacional de ÓPERA ACTUAL