El deseo como amenaza, herida o transformación en el Festival de Aix

El segundo título recayó en la propuesta de Christof Loy para Louise de Charpentier, que se inscribe en su conocida línea psicológica: todo transcurre en un único espacio cerrado —una sala de espera mutable— donde la acción se revela como un extenso flashback emocional. Aislada entre padres opresivos, Louise revive su historia de amor y sus impulsos de libertad, engullidos por una presión afectiva asfixiante; Loy sugiere de forma clara una relación incestuosa: la obsesión del padre, el deseo ambiguo de la hija y su entrega final confluyen en una escena de violencia muda, donde el síndrome de Estocolmo sustituye a cualquier final redentor. París, omnipresente en la partitura, no aparece visualmente hasta Montmartre, reduciendo su peso simbólico en favor de una visión más introspectiva y onírica.

La dirección musical de Giacomo Sagripanti fue eficaz y sólida, aunque sin aventurarse del todo en los colores más frágiles y poéticos de la partitura. La Orquesta de la Opéra de Lyon respondió con compromiso, pero sin alcanzar un brillo memorable. Elsa Dreisig se volcó con convicción en el complejo rol protagonista, tanto escénica como vocalmente; su esperada interpretación de “Depuis le jour”, en todo caso, no superó el umbral de lo correcto. Adam Smith ofreció un Julien de fraseo cuidado y progresiva implicación emocional, con una voz bien timbrada que fue ganando peso a lo largo de la función. Por su parte, Nicolas Courjal fue un padre de cuidada línea que tuvo su mejor momento en la canción de cuna, aunque mostró tensión vocal en los extremos del registro. Sophie Koch dio vida a una madre rígida y autoritaria, con gran seguridad escénica en un reparto que también contó con la mezzo catalana Carol García.

El coraje de Loy al dramatizar la herida muda de esta joven “que solo quiere vivir” dota de sentido a todo el conjunto, aunque la ejecución general no alcanzó la intensidad emocional que la obra merece.

Por último, La Calisto de Cavalli fue una de las propuestas más logradas del Festival por su coherencia artística, su depurado sentido visual y su excelencia musical. La dirección escénica de Jetske Mijnssen apostó por una lectura contenida, estilizada y sobria, que renuncia al dispositivo carnavalesco habitual del drama veneciano para centrarse en una visión ritualizada del deseo, la culpa y la transformación. Con una estética impecable, gestualidad refinada y una claridad narrativa admirable, el montaje convenció más por su forma que por su capacidad emocional. La sensualidad estaba, pero controlada; el humor, apenas insinuado; el juego, esbozado. El resultado fue una Calisto sofisticada, bella, pero algo distante.